Cyrano de Bergerac
Cyrano de Bergerac est l’une des pièces les plus populaires du théâtre français, et la plus célèbre de son auteur, Edmond Rostand. Librement inspirée de la vie et de l’œuvre de l’écrivain libertin Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655), elle est représentée pour la première fois le 28 décembre 1897, au Théâtre de la Porte-Saint-Martin, à Paris. /// Le nez de Cyrano s’est mis en travers de son cœur. La belle Roxane aime ailleurs, en l’espèce un cadet sans esprit mais de belle apparence, Christian de Neuvillette. La pièce de Rostand met en scène la tragique complicité entre deux moitiés d’homme, et s’achève sur une évidence en forme d’espérance : sous les traits de Christian, ce n’était pas moins que l’âme de Cyrano qu’aimait Roxane. Avec ce drame en cinq actes, au travers des reprises ou des adaptations cinématographiques, Rostand a connu et connaît un triomphe ininterrompu et planétaire. Pourquoi? À cause des qualités d’écriture, des vertus dramatiques ou de la réussite du personnage principal de la pièce? Sans doute, pour une part. Mais la raison profonde tient à son art de caresser l’un de nos plus anciens mythes : il n’est pas de justice ici-bas, ni d’amour heureux. Presque pas. Et tout est dans cette manière de nous camper sur cette frontière, entre rêve et réalité, entre lune et terre.
On ne badine pas avec l’amour
Dans quel rêve, quel château, quel parc mélancolique sommes-nous ? Le jeune seigneur Perdican devrait y épouser sa cousine Camille, mais en un instant il décide d’aimer une jeune bergère. Soudain dédaignée, Camille, qui ne croyait pas à l’amour, connaît le dépit, la jalousie, l’égoïsme de la passion. Autour d’eux, s’agitent des personnages fantoches d’une cocasserie irrésistible. Dans ce théâtre féérique, on se croise, on se déchire, on s’ennuie, on croit que tout est vain, on triche, on se désire, on souffre jusqu’à en mourir. Comme dans la vie.
Lorenzaccio
Lorenzino, Lorenzetta, Renzo, Renzino: Musset module à l’infini les surnoms et les masques pour désigner Lorenzo de Médicis, androgyne à l’aspect maladif qui nourrit en secret un projet terrible. Lorenzaccio, cousin et favori du duc Alexandre, est un modèle de débauche qui a pourtant ses entrées chez ceux qui la déplorent. Il sait que son acte, désespéré mais nécessaire sur le plan privé, sera récupéré par le flux, transformé en geste public dérisoire sur le plan universel. De tirades cyniques en monologues poignants, Musset trace les contours d’une silhouette fantasmagorique qui se détache d’une Florence en pleine déchéance. Pris au piège de son jeu bien plus qu’Hamlet, Lorenzaccio cultive son drame. Non pas comme d’autres romantiques cultivent leur mélancolie, mais parce que c’est le seul lien qui lui reste avec la réalité…
Les fourberies de Scapin
Branle-bas de combat dans les ruelles napolitaines ! Octave a, en secret, épousé Hyacinthe, la jeune femme qu’il aime, mais voilà que son père a décidé à son tour de le marier à une inconnue ; quant à Léandre, c’est Zerbinette qu’il aime, mais son père en a lui aussi décidé autrement. Alors, que vont bien pouvoir faire ces deux jeunes gens sans le sou contre la puissance et l’autorité de leurs barbons de pères ? Faire appel à Scapin, bien sûr, le valet bondissant et malicieux, joueur et beau parleur : rien de tel que l’un de ses nombreux tours pour retourner la situation ! Personnage clef de la commedia dell’arte, Scapin est de tous les coups pendables, de toutes les comédies : rien d’étonnant à ce que Molière l’ait choisi pour animer l’une de ses farces les plus enlevées. Rien d’étonnant non plus à ce que cette pièce ait été l’une des plus jouées et des plus applaudies du répertoire de Molière : son humour universel continue de divertir même les pince-sans-rire. Karla Manuele. En l’absence de son père parti en voyage; Octave a secrètement épousé Hyacinte. Malheureusement son père annonce son retour! Inquiet de ce que sera sa réaction à l’annonce de son union avec Hyacinte, Octave implore le secours de Scapin. Scapin saura-t-il le tirer d’embarras ?
Cromwell
Que si nous avions le droit de dire quel pourrait être, à notre gré, le style du drame, nous voudrions un vers libre, franc, loyal, osant tout dire sans pruderie, tout exprimer sans recherche ; passant d’une naturelle allure de la comédie » à la tragédie, du sublime au grotesque ; tour à tour positif et poétique, tout ensemble artiste et inspiré, profond et soudain, large et vrai…
Le diable et le bon dieu
« Cette pièce peut passer pour un complément, une suite aux Mains sales, bien que l’action se situe quatre cents ans auparavant. J’essaie de montrer un personnage aussi étranger aux masses de son époque, qu’Hugo, le jeune bourgeois, héros des Mains sales, l’était, et aussi déchiré. Cette fois, c’est un peu plus gros. Gotz, mon héros, incarné par Pierre Brasseur, est déchiré, parce que, bâtard de noble et de paysan, il est également repoussé des deux côtés. Le problème est de savoir comment il lâchera l’anarchisme de droite pour aller prendre part à la guerre des paysans… J’ai voulu montrer que mon héros, Gotz, qui est un genre de franc-tireur et d’anarchiste du mal, ne détruit rien quand il croit beaucoup détruire. Il détruit des vies humaines, mais ni la société, ni les assises sociales, et tout ce qu’il fait finit par profiter au prince, ce qui l’agace profondément. Quand, dans la deuxième partie, il essaie de faire un bien absolument pur, cela ne signifie rien non plus. Il donne des terres à des paysans, mais ces terres sont reprises à la suite d’une guerre générale, qui d’ailleurs éclate à propos de ce don. Ainsi, en voulant faire l’absolu dans le bien ou dans le mal, il n’arrive qu’à détruire des vies humaines… La pièce traite entièrement des rapports de l’homme à Dieu, ou, si l’on veut, des rapports de l’homme à l’absolu.
Le mariage de Figaro
Chef-d’œuvre du théâtre français et universel, la pièce est en effet considérée, par sa dénonciation des privilèges archaïques de la noblesse et plus particulièrement de l’aristocratie, comme l’un des signes avant-coureurs de la Révolution française, donc comme une œuvre politique et satire de la société inégalitaire et de la justice vénale d’Ancien Régime. Louis XVI la qualifia « d’exécrable, qui se joue de tout ce qui est respectable » et dont « la représentation ne pourrait qu’être une inconséquence fâcheuse, sauf si la Bastille était détruite ». On attribue au grand révolutionnaire Danton le verdict « Figaro a tué la noblesse ! », et à Napoléon la sentence : « C’est déjà la Révolution en action ! ». Texte intégral et dossier complet (notes et commentaires …)
Fanny (de la trilogie marseillaise)
Depuis le départ de Marius, César est de plus en plus coléreux et ses amis en font les frais. Lorsque Fanny apprend qu’elle attend un enfant de Marius, le déshonneur la guette… Deux ans après Marius, Pagnol reprend dans Fanny (1931) ses personnages où il les a laissés. Les spectateurs du Théâtre de Paris retrouvent avec enthousiasme Fanny, César, Panisse, Escartefigue, monsieur Brun, Honorine. Orane Demazis et Charpin sont au rendez-vous… mais pas Raimu. Fâché avec le directeur de la salle, il est remplacé par Harry Baur. En 1932, Marc Allégret tourne Fanny, et Raimu reprend le rôle que Pagnol a écrit pour lui. Le succès du film Fanny est aussi grand que celui de Marius. Des années trente aux années soixante, plusieurs remakes en sont réalisés. Wallace Beery, Emil Janings, Charles Boyer ont interprété César. Maurice Chevalier, lui, a été, en 1961, un Panisse hollywoodien. » Cet enfant, quand il est né, il pesait quatre kilos… Ceux-là, c’est sa mère qui les a faits. Maintenant, il arrive à sept… Ces trois kilos de plus, c’est trois kilos d’amour. «
Knock
Knock une pièce de théâtre de Jules Romains, représentée pour la première fois à Paris, à la Comédie des Champs-Élysées, le 15 décembre 1923, sous la direction de Jacques Hébertot, mise en scène et décors de Louis Jouvet, qui interprète également le rôle principal. Comédie grinçante, Knock dénonce la manipulation, qu’il s’agisse de médecine ou de toute idéologie, comme de n’importe quel commerce. La pièce est restée célèbre entre autres pour la maxime du Dr Knock, « d’une modernité époustouflante » : « Toute personne bien portante est un malade qui s’ignore. »
La Musica Deuxième
Une femme. Un homme. Ces deux-là se sont aimés, ont formé un couple, se sont mariés pour faire «comme tout le monde». Le temps, ses affres et ses tentations ont suivi leurs pas, jusqu’à les perdre et les faire choir. Elle, Anne-Marie, a voulu le suicide, lui, Michel, le meurtre. Puis, ils se sont séparés, dans le fracas des cris et des vêtements jetés par la fenêtre. C’était avant-hier. C’était hier. Aujourd’hui les a réunis de nouveau, au tribunal, pour entendre leur divorce prononcé. Une dernière fois, dans la nuit d’un hôtel de province où ils sont descendus avant de regagner leurs «autres» respectifs, ils vont chercher à se parler, tenter de comprendre l’énigme qui les a amenés à la perte, au désastre de l’autre. Cris et chuchotements, sourires forcés et fous rires subits, sanglots étouffés, désir de comprendre et refus de savoir, haine et sottise, mots arrachés au silence pour faire taire le silence, pour retarder l’ultime moment du départ où plus rien, jamais, ne pourra être dit…
La cantatrice chauve
La Cantatrice chauve est la première pièce de théâtre écrite par Eugène Ionesco. La première représentation a eu lieu le 11 mai 1950 au théâtre des Noctambules dans une mise en scène de Nicolas Bataille. Cette œuvre du théâtre de l’absurde fut publiée pour la première fois le 4 septembre 1950 par le Collège de ‘Pataphysique, qui promeut une philosophie et édite des textes basés sur l’absurde. La pièce détient le record du monde du nombre de représentations sans interruptions d’une pièce de théâtre dans une même salle, étant jouée depuis 1957 au théâtre de la Huchette. Elle totalise plus de 19 000 représentations et plus de 2 millions de spectateurs en 2019.
Monsieur Malaussène au Théâtre
Enceint, Malaussène. À qui se confier, dans cet état ? Au nouveau venu, évidemment. Tout le monde vous le dira : il faut leur parler avant l’atterrissage. Mais voilà que le nouveau venu prend la parole à son tour : « Père, quand vous serez passé par ce que j’ai vécu avant de naître, vous pourrez l’ouvrir ! » Ce qui nous donne les 1550 pages de la saga Malaussène concentrées en une seule conversation où Benjamin joue tous les rôles, sans trop savoir, comme d’habitude, quel est le sien. « Ça… On ne peut pas dire que j’ai une grossesse exemplaire. »
L’Eden Cinéma
Dans le Cambodge, la mère est présente, immobile. Autour d’elle, quatre personnages : ses deux enfants (Suzanne et Joseph), Mr Jo et le Caporal. Tous les quatre vont parler de la mère, de son histoire pendant et après son travail en tant que pianiste à l’Eden Cinéma. La mère, bien qu’au centre de l’histoire, n’aura jamais la parole sur elle-même.
Le voyage de Monsieur Perrichon
Monsieur Perrichon a décidément tout de l'honnête bourgeois : la suffisance, l'ingénuité, l'ambition mondaine et une morale quelque peu soumise aux circonstances. Lorsqu'il part en voyage d'agrément avec sa femme et sa jolie fille Henriette, il n'imagine pas que les deux prétendants officiels de sa fille donneront à ce séjour une tournure rocambolesque. Qui, de Daniel ou d'Armand, saura s'attirer les faveurs de la fille, et surtout du père ? De rebondissements en quiproquos, Labiche dresse le portrait vivant et étrangement contemporain de la fatuité. Une comédie alerte et désopilante, considérée comme un chef-d'œuvre du genre.
Le jeu de l’amour et du hasard
Peut-on épouser un inconnu ? Ce n'est pas l'avis de Silvia, promise à un certain Dorante qu'elle n'a jamais vu. Avant d'accepter ce mariage, elle décide donc de tester son prétendant sans se faire connaître : elle prendra l'identité et les attributs de sa servante Lisette, pendant que celle-ci se fera passer pour Silvia. Mais ce qui était une bonne idée se transforme en situation cocasse, puisque Dorante a lui aussi échangé les rôles avec son serviteur. L'entrevue des deux valets subitement élevés au rang de maîtres laisse présager de savoureuses répliques, mais pourra-t-elle changer la donne amoureuse de la pièce ? Rien n'est moins sûr, à moins que derrière les travestissements, l'amour ne finisse par reconnaître les siens… Comme souvent chez Marivaux, le jeu amoureux passe par un jeu de masques : le spectateur, lui, sait toujours qui est qui, mais la naissance du sentiment amoureux et ses multiples secrets n'en finissent pas de le surprendre et de le charmer.
Le Tartuffe
En laissant Tartuffe entrer dans sa maison, Orgon ne pouvait pas imaginer qu'il allait mettre en péril sa fortune, son honneur, son bonheur et l'unité de sa famille. Et pourtant, c'est bien à quoi travaille « l'imposteur », mais toujours à l'insu du maître de maison : si Tartuffe courtise la femme d'Orgon, c'est sous prétexte de l'entretenir de religion; s'il spolie ses enfants, c'est sous couvert de les remettre dans le droit chemin; s'il s'approprie les cordons de la bourse, c'est pour mieux organiser la dévotion familiale. Comment, dans ces conditions, Orgon aurait-il pu s'apercevoir de son aveuglement et donner au faux dévot la correction qu'il mérite? Avec Tartuffe, Molière livre une satire grinçante de toutes les hypocrisies, satire qui fait mouche et qui, 300 ans plus tard, reste toujours de mise : en témoignent les mises en scène modernes, qui se succèdent, collant à l'actualité, et le nom de Tartuffe qui est définitivement passé dans la langue comme synonyme d'hypocrite.
Le neveu de Rameau
La morale occupe une place centrale dans l’oeuvre de Diderot et dans Le Neveu de Rameau. La morale a un double sens: les moeurs, les opinions et les comportements valorisés dans une société et la science des moeurs. À côté des études savantes ou apologétiques (religieuses), la satire offre un moyen pour comprendre les normes et les valeurs morales, en dénonçant leur transgression par des vicieux. Le Neveu de Rameau est une « satyre ». L’article analyse le genre de satire qu’est ce dialogue. Il apparaît que si d’un côté c’est Lui, le vicieux qui est la cible de la satire, de l’autre c’est lui qui fait la satire d’un milieu social qui nie les valeurs de la morale commune.
Le malade imaginaire
Argan est un malade imaginaire qui se pense atteint de mille maux. Il croit avoir trouvé l’ultime remède en mariant sa fille Angélique, amoureuse de Cléante, à un médecin… Dans sa dernière pièce, Molière tourne les médecins en ridicule et célèbre le triomphe de l’amour et de la vie sur la maladie et la mort. Rires, danses et déguisements rythment cette comédie-ballet savoureuse et réjouissante.
Aliin Sitooye Jaata ou la Dame de Kabrus suivi de Adja, la militante du G.R.A.S. Ce volume de deux pièces témoigne de la richesse thématique du théâtre de Marouba Fall. Deux pièces aussi différentes par les préoccupations brassées que le souffle qui les habite. Le Combat d’Aliin Sitooye Jaata , n’a pas les turbulences de l’épopée. Mais le cadre d’évolution de l’intrigue et la dimension de certains personnages ont un caractère épique. Suivi de Adja, la militante du G.R.A.S., au contraire, nous plonge dans un bain de bonne humeur. La révolution féminine bat son plein à Negropolis. Adja Rama Ndiaye, à moitié illettrée, égarée en politique, veut être député. Le sordide s’étale, ravissant la vedette à l’utopie égalitariste.
Judas
Le personnage de Judas, c’est celui du traître dans la divine tragédie de la Révélation, dont le dernier acte est la Passion. En réalité que savons-nous de lui ? Les Evangiles n’en disent presque rien jusqu’au souper de Béthanie. Ce qui paraît certain, c’est qu’il était jeune, qu’il était beau, qu’il avait une famille, et que son père s’appelait Simon. On croit aussi qu’il était potier. C’est Jésus lui-même qui le choisit pour être l’un des douze apôtres, et qui lui confia la bourse de la communauté. Du point de vue spirituel, il reçut les mêmes pouvoirs que ses frères. Il enseigna les foules, il donna le baptême, chassa les démons, guérit les malades et suivit le Maître dans ses prédications errantes, dans les villes, les villages, à travers les montagnes et les déserts. Pourtant, c’est un fait historique qu’il conduisit les soldats jusqu’au campement de son Maître, qu’il le dénonça pour un baiser, et qu’il reçût, pour prix de ses services, trente deniers. Puis après la réussite de sa trahison, il jette le prix du sang, et va se pendre. Du point de vue policier, des spécialistes (dont un juge d’instruction) m’ont dit : » c’est une affaire qui ne tient pas debout, et il doit y avoir autre chose « .
L’Amour de loin
Au XIIe siècle, le troubadour Jaufré Rudel, lassé de sa vie de plaisirs, s’embarque pour l’Orient. Ne lui a-t-on pas dit qu’à Tripoli vit la femme qui incarne son idéal d’un amour pur ? Hélas, Jaufré, frappé par la maladie, n’arrivera que pour mourir dans les bras de celle qui, avertie de son entreprise, a senti toute la beauté de cet amour de loin… De cette magnifique légende d’amour et de mort, où l’Occident chrétien et l’Orient mystique mêlent leurs rêves, Amin Maalouf, le romancier du Rocher de Tanios, prix Goncourt 1993, donne ici une nouvelle variation, dans une langue lyrique aux résonances toutes modernes. L’Amour de loin »,opéra en cinq actes de Kaika Saariaho sur un livret original d’Amin Maalouf, a été crée en août 2000 à Salzbourg et est repris en novembre au théâtre du Châtelet.
Les Bonnes
Genet nous avertit. Il ne faut pas prendre cette tragédie à la lettre : « C’est un conte, c’est-à-dire une forme de récit allégorique. » « Sacrées ou non, ces Bonnes sont des monstres. Elles ont vieilli, elles ont maigri dans la douceur de Madame. Elles crachent leurs rages. » Les domestiques sont des êtres humiliés dont la psychologie est pertubée. Austères dans leur robe noire et souliers noirs à talons plats, les bonnes ont pour univers la cuisine et son évier ou la chambre en soupente, dans la mansarde, meublée de deux lits de fer et d’une commode en pitchpin, avec le petit autel à la Sainte Vierge et la branche de buis bénit. Genet a réussi cette pièce, Les Bonnes, peut-être parce qu’il revivait, à l’intérieur de ses personnages, en l’écrivant, sa propre humiliation.
Les séquestrés d’Altona
Conseil de famille chez les von Gerlach : le père a convoqué sa fille Leni, son fils cadet Werner et johanna, sa bru, pour leur dicter ses dernières volontés. Il n’a plus que six mois à vivre, les médecins l’ont condamné. Après lui, Werner dirigera l’empire industriel des von Gerlach mais doit s’engager à ne jamais quitter Altona. Pourquoi cette condition sinon pour protéger Frantz, le fils aîné, qui se claustre dans sa chambre depuis treize ans et passe pour mort aux yeux du monde ? johanna s’insurge. Son beau-père l’incite subtilement à forcer la porte de Frantz ? par elle il espère obtenir l’entrevue que son fils lui refuse. johanna, fascinée, pénètre dans le monde clos où Frantz, jour après jour, se justifie devant un tribunal invisible. Revoir son père équivaut pour lui à rentrer dans le réel et à dresser le bilan de deux conceptions de l’existence mises à l’épreuve dans le creuset de la guerre. Confrontation aux suites tragiques.
Cigalon
Ah ! Le voilà, le grand reproche ! Un cuisinier qui mange ! Parce que, pour ces messieurs et dames, un cuisinier, ça n’a pas le droit de manger. Pendant trente-cinq ans, sur le coup de midi, je me suis coupé l’appétit à goûter la mangeaille des autres. Pendant trente-cinq ans, j’ai préparé le régal des clients ; je me suis servi de mon goût, de mon odorat de mon coup d’œil, au profit des mangeurs qui se faisaient
la belle panse… Et moi, je grignotais n’importe quoi, n’importe quand, au coin d’une table pleine d’épluchures : un morceau de la daube d’hier, une côtelette refusée, un bout de fromage et un verre d’eau… Eh bien maintenant, je ne marche plus ! Maintenant, je m’assois à la meilleure table, et je mange le meilleur plat, un plat fait pour moi spécialement ! Tout à l’heure, vous m’avez dit : « Pourquoi avez-vous pris un restaurant ? » Eh bien, monsieur, c’est pour manger : et je mange.
Merlusse
Quelques malheureux élèves, qui n’ont personne chez qui passer les fêtes, restent, la veille de Noël, dans le grand lycée où ils sont pensionnaires. Et il leur arrive le pire qu’ils puissent imaginer : ils seront surveillés par Merlusse, le méchant répétiteur borgne à la grosse barbe noire. Mais la nuit de Noël n’est-elle pas celle de tous les miracles ? Avec Merlusse, moyen métrage de 1935, Pagnol choisit de s’adapter lui-même :il reprend l’infâme Truc, un récit publié en 1922 dans la revue Fortunio, et en tire le plus beau conte de Noël de l’histoire du cinéma. Le dialogue du film est une de ses grandes réussites, et ses adolescents parlent avec un naturel admirable. Quant au personnage de Merlusse, il offre à Henri Poupon, qu’on a souvent vu en père outragé, son rôle le plis nuancé. Un chef d’œuvre trop souvent sous-estimé.
L’expression dramatique
Art dramatique : terme générique regroupant tous les ouvrages destinés initialement au théâtre et provocant chez le spectateur une émotion vive voire de la pitié.
Les bonnes
Genet a choisi comme personnages « Les Bonnes ». Au début de la pièce, deux sœurs, Claire et Solange, seules dans la chambre de Madame, « d’une dame un peu cocotte et un peu bourgeoise » , pendant son absence, jouent pour elles, et entre elles, des variations sur le thème des Bonnes et de Madame. Claire incarne Madame tandis que Solange joue de temps en temps le rôle de sa sœur Claire. Chacun des personnages menace de quitter ou de reprendre sa propre personnalité, ou d’inverser les rôles. Elles préparent un tilleul, chargé de gardénal, pour l’empoisonner. Comme on peut découvrir qu’elles ont par une lettre anonyme à la police dénoncé Monsieur, un moment arrêté, puis relâché, elles parlent avec véhémence toutes les deux, en tête à tête, de leur situation de bonnes et s’exaltent jusqu’à imaginer une mise à mort. Dans leur folie, elles hésitent entre vouloir assassiner Madame, le personnage réel, et Madame incarnée par Claire. Solange force Claire à boire le tilleul empoisonné. Genet nous avertit. Il ne faut pas prendre cette tragédie à la lettre…
La mort de la tragédie
L’étude de la tragédie grecque, élisabéthaine, classique française est la matière de ce livre. Définir la vision tragique du monde, découvrir le sens de l’homme traqué, du cri de Cassandre au silence ultime de Phèdre, déceler à quel moment dans la conscience occidentale, et pour quelles raisons complexes, cette vision tragique perd son autorité poétique, tels sont les objets que se donne l’auteur. Peut-il y avoir une tragédie chrétienne ou marxiste, l’écriture moderne a-t-elle perdu le mystère du mot et le matériel de la forme sans lesquels il peut y avoir drame, mais non tragédie ? Poser la question dans les termes où elle doit l’être est déjà répondre aux grandes lignes d’une enquête passionnée, plus qu’épiloguer vainement sur les gloires du passé.
La passion du général Franco
C’est à son retour de Cuba, pendant qu’il travaillait à Toulouse, que Gattilier, y rencontrant de plus près des représentants de l' »internationale » espagnole de l’émigration, décida de mettre à son service un texte d' »agitation » qui soit l’outil d’une prise de conscience. Destinée d’abord à une troupe d’ouvriers espagnols qui devaient la jouer dans leur langue, la pièce s’est étoffée ensuite à l’usage des professionnels. Cependant à Kassel déjà où elle fut créée, elle attira de toute l’Allemagne ceux que leur condition d’émigrés condamnaient à ce face à face ambigu avec l’Espagne sous Franco.
Ornifle ou le courant d’air
« Vous ne la connaissez pas ? C’est vrai ? Mon cher, c’est un lapin qui passe sur le Quai Conti et qui rencontre un Académicien en grande tenue. Il s’arrête sidéré. L’Académicien s’arrête aussi, met son lorgnon et murmure « Mais c’est un lapin ! » Le lapin regarde l’Académicien et murmure: « Mais c’est de la salade ! »
Madame de Sade
« C’est en lisant « La Vie du Marquis de Sade » de Tatsuhiko Shibusawa que pour moi, en tant qu’écrivain, se posa l’énigme de comprendre comment la marquise de Sade, qui avait montré tant de fidélité à son mari pendant ses longs emprisonnements, a pu l’abandonner juste au moment où il retrouvait enfin la liberté. Telle énigme a servi de point de départ à ma pièce, en laquelle on peut voir une tentative de fournir au problème une solution logique. J’ai eu l’impression de quelque chose de fort vrai en même temps que de fort peu intelligible paraissait derrière l’énigme, et j’ai voulu considérer Sade dans ce système de références. Il est peut-être singulier qu’un Japonais ait écrit une pièce de théâtre sur un argument français. La raison en est que je souhaitais employer à rebours les talents que les comédiens de chez nous ont acquis en représentant des pièces traduites de langues étrangères. » Y.M.
«Le vieux : Il y avait un sentier qui conduisait à une petite place ; au milieu, une église de village… Où était ce village ? Tu te rappelles ?
La vieille : Non, mon chou, je ne sais plus.
Le vieux : Comment y arrivait-on ? Où est la route ? Ce lieu s’appelait, je crois, Paris…
La vieille : Ça n’a jamais existé, Paris, mon petit.
Le vieux : Cette ville a existé puisqu’elle s’est effondrée… C’était la ville de lumière puisqu’elle s’est éteinte, éteinte, depuis quatre cent mille ans… Il n’en reste plus rien aujourd’hui, sauf une chanson…»
Rhinocéros
Rhinocéros est la pièce la plus riche de Ionesco. Elle ne perd rien de l'esprit d'innovation, de provocation, des premières pièces. Comme elles, celle-ci mélange les genres et les tons, le comique et le tragique. Mais l'innovation principale qui s'introduit ici est la réflexion sur l'Histoire, à travers le mythe. La pièce est une condamnation de toute dictature (en 1958, on pense au stalinisme). Ionesco condamne autant le fascisme que le communisme. C'est donc une pièce engagée : «Je ne capitule pas», s'écrie le héros.Le rhinocéros incarne le fanatisme qui «défigure les gens, les déshumanise».
Beaucoup de bruit pour rien
L’histoire se passe en Sicile dans la ville de Messine, où le gouverneur Léonato reçoit Don Pedro, le prince d’Aragon, son frère Don Juan et deux gentilshommes, Claudio et Bénédict. Bénédict est déjà bien connu à Messine, car lui et la nièce du gouverneur, Béatrice, se querellent constamment. Béatrice n’a pas une haute opinion des hommes, et Bénédict jure qu’il restera célibataire toute sa vie. Quant à Claudio, il tombe amoureux de Héro, la fille du gouverneur. Les deux s’aiment éperdument, et Claudio réussit, avec l’aide du prince, à obtenir la main de Héro. Le prince, Claudio, Léonato et Héro veulent rapprocher Béatrice et Bénédict. La scène se passe dans le jardin. Sachant que Bénédict est caché dans les buissons, les trois hommes racontent que Béatrice est follement amoureuse de lui. Héro fait de même de son côté, sachant très bien que Béatrice écoute sa conversation. La ruse fonctionne, Béatrice et Bénédict tombent amoureux l’un de l’autre…
Les Plaideurs
Il s’est agi pour Racine de privilégier le langage et le mouvement, et surtout, le mouvement du langage. Les coups ont beau tomber sur le dos d’un faux sergent qui les réclame, le juge fou a beau ouvrir une audience sous les gouttières et tenter de la poursuivre depuis le soupirail de la cave au fond de laquelle il finit par se fracasser le crâne, il a beau s’endormir au milieu de la plaidoirie de l’Intimé et se réveiller brutalement pour condamner le chien « aux galères », ce n’est pas le comique de geste, de situation et de mouvement qui fait le sel de son travail : Les Plaideurs reposent avant tout sur la « grâce » d’un comique verbal exceptionnel.
Andromaque, Iphigénie, Britannicus
La guerre de Troie a bien eu lieu : la ville est en cendres et ses grands héros sont morts. Mais leur souvenir et celui du conflit sont au coeur d’un enchaînement passionnel entre vainqueurs et vaincus : Oreste (le fils d’Agamemnon) aime Hermione (la fille d’Hélène), qui aime Pyrrhus (le fils d’Achille), qui aime Andromaque (la veuve d’Hector), qui reste fidèle à son premier époux, par-delà la mort. Un enfant, Astyanax, est l’otage innocent de ce drame des amours croisées, qui mêle étroitement sentiments et pouvoir. Première grande tragédie de Racine, Andromaque fait figure d’exemple accompli de l’art classique. Cependant, revirements incessants, personnages piégés dans un vain jeu d’apparences et dénouement sanglant animent la pièce d’une énergie toute baroque qui participe de son infinie richesse.
La mouette
L’atmosphère est morbide : les fleurs sont piétinées à peine offertes, Treplev tue une mouette pour la déposer aux pieds de Nina… Mais l’oisiveté des personnages ne saurait être la seule cause de ce malaise. C’est l’été, et comme tous les étés, on se retrouve dans la propriété de Sorine. Seul personnage véritablement sympathique, il n’échappe pourtant pas à la règle : les acteurs de ce drame de l’indécision et de l’inachèvement sont des personnages stéréotypés, s’exprimant au moyen de clichés galvaudés et vide de sens. Pièce sans héros véritable, sans action spectaculaire, La Mouette est un chef-d’oeuvre de l’implicite, et l’on est tenté d’accorder une portée symbolique au moindre détail. Or, si la mouette peut bien sûr être comprise comme un symbole de liberté, elle peut aussi être appréciée pour sa valeur dramatique, maillon de tout un réseau d’échos que Tchékov met en place pour figurer l’enfermement, qui culmine dans le rétrécissement du lieu de l’action. Le théâtre en plein air même ne saurait constituer une ouverture, illusion factice qui tombe en lambeaux sur les bords d’un lac stagnant ajoutant encore à l’étouffement par son simple pouvoir de réflexion. –Sana Tang-Léopold Wauters
En Anglais – One of Bernard Shaw’s most glittering comedies, Arms and the Man is a burlesque of Victorian attitudes to heroism, war and empire. In the contrast between Bluntschli, the mercenary soldier, and the brave leader, Sergius, the true nature of valour is revealed. Shaw mocks deluded idealism in Candida, when a young poet becomes infatuated with the wife of a Socialist preacher. The Man of Destiny is a witty war of words between Napoleon and a ‘strange lady’, while in the exuberant farce You Never Can Tell a divided family is reunited by chance. Although Shaw intended Plays Pleasant to be gentler comedies than those in their companion volume, Plays Unpleasant, their prophetic satire is sharp and provocative.
Horace
En 1640, Corneille fait jouer Horace, tragédie en cinq actes et en vers : une sanglante guerre oppose les deux villes, Albe et Rome. Sabine, dont les trois frères combattent pour Albe, a épousé un Romain, Horace. À l’inverse, Camille, sœur d’Horace, est fiancée à Curiace, l’un des frères de Sabine. Pour éviter une bataille générale, on choisit dans chaque camp trois champions : leur lutte permettra de décider de la victoire. Or sont désignés pour Rome Horace et ses frères, et pour Albe, Curiace et ses frères. Curiace est désolé, mais Horace éclate d’une joie brutale et patriotique. Tandis que Camille et Sabine tentent d’empêcher l’affrontement, le vieil Horace intervient, et exhorte les jeunes gens au combat. Les armées veulent un autre choix, mais les augures s’y opposent. Le combat commence donc. Les frères d’Horace meurent, lui même fuit. Son père est indigné. Mais on apprend par quelle ruse, en séparant ses adversaires, il les a successivement tués. Le vieil homme triomphe, Camille est accablée. Quand son frère revient triomphant, elle le maudit, et il la tue. Valère, qui aimait Camille, accuse Horace auprès du roi ; son père le défend. L’éloquence du vieil homme l’emporte : le sauveur de la patrie est acquitté du meurtre de sa sœur.
Une saison au Congo
Le temps de l'indépendances du Congo est arrivé. Patrice Lumumba, homme politique et poète visionnaire, va tenter de rendre à son peuple une liberté depuis longtemps perdue. Mais la jalousie, la corruption et la quête du pouvoir sont des murailles difficiles à franchir. A travers le destin d'un homme, c'est toute l'histoire d'un continent qui se joue de manière exemplaire et symbolique dans cette pièce de théâtre.
Rhinocéros
Rhinocéros est la pièce la plus riche de Ionesco. Elle ne perd rien de l'esprit d'innovation, de provocation, des premières pièces. Comme elles, celle-ci mélange les genres et les tons, le comique et le tragique. Mais l'innovation principale qui s'introduit ici est la réflexion sur l'Histoire, à travers le mythe. La pièce est une condamnation de toute dictature (en 1958, on pense au stalinisme). Ionesco condamne autant le fascisme que le communisme. C'est donc une pièce engagée : «Je ne capitule pas», s'écrie le héros.Le rhinocéros incarne le fanatisme qui «défigure les gens, les déshumanise».
Rodogune
Cléopâtre, ambitieuse reine de Syrie, épouse de Nicanor et mère d'Antiochus et de Séleucus, est maladivement jalouse de la jeune princesse Rodogune, sœur du roi des Parthes. Sa jalousie pousse Cléopâtre à tuer Nicanor et à promettre sa couronne à celui de ses fils qui tuera Rodogune. Elle ignore cependant qu'Antiochus et Séleucus sont amoureux de la princesse.
Le bourgeois gentilhomme
Monsieur Jourdain est un bourgeois fortuné mais sot. Son plus cher désir est de devenir gentilhomme. Pour cela, il cherche par tous les moyens à acquérir les bonnes manières de la haute société, et courtise une marquise. il veut également que sa fille épouse un noble, alors que celle-ci aime un homme honorable qui n'est pas gentilhomme. Le père tyrannique arrivera-t-il à se faire obéir ? Le bourgeois parviendra-t-il à tout acheter, même le cœur d'une femme ? La ruse des valets aura-t-elle raison de l'entêtement du maître de maison ?
Le jeu de l’amour et du hasard
Le père de Silvia (M. Orgon) souhaite que sa fille épouse le fils d'un de ses vieux amis. Mais Silvia, peu disposée à se marier, obtient de son brave homme de père l'autorisation d'observer, sous le déguisement de sa servante (Lisette), le jeune homme à qui sa famille la destine (Dorante), ignorant que ce dernier a eu la même idée qu'elle. Aussi, l'aventure, divertissante au début, tourne-t-elle au cauchemar pour elle lorsqu'elle se rend compte qu'elle est attirée par le valet, qui lui fait une cour discrète, alors que le comportement de celui qui se présente comme son promis lui fait horreur, d'autant plus que M. Orgon, qui s'amuse de la situation, refuse d'interrompre le jeu.
Le médecin malgré lui
Sganarelle, le faiseur de fagots, est dans de beaux draps : voici que par une ruse vengeresse, sa femme le fait passer pour médecin. Le vieux Géronte, qui l'a fait mander pour guérir sa fille, semble perplexe face aux explications de ce docteur peu orthodoxe :
« Géronte – On ne peut pas mieux raisonner, sans doute. Il n'y a qu'une seule chose qui m'a choqué : c'est l'endroit du foie et du cœur. Il me semble que vous les placez autrement qu'ils ne sont; que le cœur est du côté gauche, et le foie du côté droit. Sganarelle – Oui, cela était autrefois ainsi; mais nous avons changé tout cela, et nous faisons maintenant la médecine d'une méthode toute nouvelle. » Les cocasseries perpétuelles de Sganarelle et son charabia scientifique suffisent à tromper la crédulité de la patiente et de son entourage, pour notre plus grand bonheur. Et, pour comble de l'ironie, le faux médecin a affaire à une fausse malade…
L’ïle des esclaves
À la suite d'une violente tempête, Iphicrate et Euphrosine, deux maîtres accompagnés de leurs esclaves, Arlequin et Cléanthis, échouent sur une île : l'île des esclaves. Ses habitants — des esclaves révoltés qui ont fui la Grèce antique — ont pour coutume de réduire en esclavage les maîtres et de rendre leur liberté aux esclaves. C'est donc un monde à l'envers que découvrent alors nos quatre naufragés, contraints d'échanger leurs habits, mais aussi leur condition… Au-delà du simple ressort comique, cette inversion nous invite à regarder sous un jour nouveau la société du XVIIIe siècle, mais aussi toute forme de hiérarchie sociale.
Les fausses confidences
Marivaux renouvelle la comédie d’intrigue, car il ne se contente pas d’opposer aux sentiments des obstacles extérieurs ; il peint ceux qu’ils trouvent dans les cœurs eux-mêmes, la lutte contre soi, le trouble qui en naît et le cheminement vers l’aveu. Aussi le caractère d’Araminte fait-il l’intérêt de la pièce autant que le rôle de Dubois, le meneur de jeu.